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Regisseur Paul W.S. Anderson hat in einem aktuellen Podcast betont, dass Filmteams Videospiele, die sie adaptieren, gründlich kennen sollten — sonst verprellt man laut ihm die Fangemeinde. Seine Aussagen bekommen jetzt neue Brisanz: Parallel erscheint ein neues Capcom-Game, das das Thema Adaptions‑Authentizität wieder in den Fokus rückt.
In der Gesprächsrunde des Podcasts Post Games erklärte Anderson gegenüber PC Gamer, warum er es für unverständlich hält, wenn Filmemacher sagen, sie hätten die Vorlage nie selbst gespielt. Für ihn ist die Kenntnis des Ausgangsmaterials kein Luxus, sondern Teil des kreativen Handwerks.
Verantwortung gegenüber den Spielerinnen und Spielern
Anderson zog einen Vergleich zu Buchverfilmungen: Wer ein großes literarisches Werk adaptierte, könne kaum glaubwürdig behaupten, das Buch nie gelesen zu haben. Genauso empfinde er es als unfair gegenüber Menschen, die viel Zeit in eine Spielwelt investiert hätten, wenn Produzenten diese Welt oberflächlich behandelten.
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Sein praktisches Rezept: Schlüsselpositionen am Set — etwa Produktionsdesigner und Kameraleute — sollten Spielinhalte kennen oder sich zumindest Let’s‑Plays anschauen. Nur so entstünden visuelle Entscheidungen, die sich organisch anfühlen, etwa die Gestaltung bestimmter Räume oder Kamerapositionen, die Fans wiedererkennen.
Konkrete Beispiele aus der Praxis
Anderson nannte mehrere Fälle, in denen diese Herangehensweise aufgegangen sei. Beim Film zu Mortal Kombat ließ er eine ikonische Arena detailgetreu nachbauen; Zuschauer hätten den Ort sofort identifiziert. Bei seinen eigenen Resident Evil-Adaptionen floss die „Spielerfahrung“ in Szenen wie festgelegte Kamerawinkel oder charakteristische Türen ein.
Gleichzeitig räumte er ein, dass cineastische und spielerische Erlebnisse sich grundlegend unterscheiden: Ein Spiel ist interaktiv und kann sich über viele Stunden erstrecken, ein Film ist ein komprimiertes, passives Erlebnis. Die direkte Übertragung bestimmter Spielmechaniken — etwa ein abruptes Wechseln in die Ich‑Perspektive, wie es in der Doom-Verfilmung mit Dwayne Johnson versucht wurde — könne optisch überzeugen, aber nicht unbedingt dieselbe Wirkung erzeugen, weil dem Publikum die Steuerung fehlt.
- Kennenlernen der Vorlage: Mindestens das Kernteam sollte das Spiel gespielt oder studiert haben.
- Ästhetische Genauigkeit: Sets, Kamera und Produktionsdesign sollten Referenzen aus dem Spiel aufgreifen, ohne slavisch zu kopieren.
- Dramaturgische Anpassung: Interaktivität muss in filmische Erzählstrukturen übersetzt werden — nicht eins zu eins übernommen.
- Respekt vor der Marke: Erwartungshaltungen der Fans ernst nehmen, aber kreativen Spielraum bewahren.
Anderson illustrierte seine Punkte mit einer persönlichen Erinnerung: Die erste Begegnung mit einem Schockmoment in Resident Evil — Hunde, die durchs Fenster springen und der Controller, der vibriert — habe ihn nachhaltig geprägt. Solche Momente liefern für ihn die emotionale Vorlage, die ein Film berücksichtigen sollte, auch wenn er die Sequenzen dramaturgisch anders anordnet.
Die Debatte ist aktuell, weil parallel zur Diskussion ein neues Spiel aus dem Universum erscheint: Resident Evil Requiem kommt diese Woche für PS5, Xbox Series X/S und PC in den Handel. Solche Veröffentlichungen setzen Adaptionen erneut unter Beobachtung: Fans messen Filme und Serien verstärkt an der Treue zur Vorlage.
Was folgt daraus für Filmemacher? Andersons Plädoyer ist kein Patentrezept, aber ein Appell an Sorgfalt: Wer ein Spiel als Quelle wählt, sollte die Welt und ihre Mechaniken ernst nehmen — und zugleich bereit sein, das Material für die andere Erzählform Film angemessen umzubauen.
